martes, 21 de mayo de 2013

Edad Contemporánea

"Guernica"

Ficha técnica
  • Obra: Guernica
  • Autor: Pablo Ruiz Picasso
  • Comitente: gobierno de la República Española
  • Técnica: óleo sobre lienzo
  • Cronología: 1 de mayo - 4 de junio de 1937

¿Quién pintó el Guernica y qué representa?

En la llamada época surrealista (1925-1940), Picasso crea un estilo muy personal en que los elementos cubistas se unen en violentas deformaciones en las figuras para adquirir una gran expresividad.

En esta obra no se describen hechos concretos, a pesar de ser una pintura que habla de la Guerra Civil española, sino que se crea un ambiente que presenta la guerra como un acontecimiento atroz que convulsiona todo lo real. 

Puede que al observar la obra lo primero que se te viene a la cabeza son palabras como: tristeza, gritos, miedo, daño, auxilio, falta de color, negro, gris y blanco... Eso es lo que pretendía el autor, mostrar el horror de la guerra.

Fue pintado por Picasso en el 1937, con motivo del bombardeo de un pueblecito llamado Guernica (Vizcaya), por aviones alemanes, en la Guerra Civil Española.

Pero... ¿quién fue Pablo Picasso?




El collage
Es una técnica introducida por Pablo Picasso (junto con Braque) con la que se trabaja el óleo junto con materiales no pictóricos que se encolan al lienzo.

La primera obra en la que se introduce esta técnica es la conocida con el nombre Naturaleza muerta con silla de rejilla. 





CURIOSIDADES DE LA OBRA Y SU AUTOR


- Pablo Ruiz Picasso fue bautizado con el nombre de “Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso”)



- Siempre fue un amante de las corridas de toros. La obra del Guernica la terminó en junio de 1937, cuando laGuerra Civil española estaba en pleno desarrollo, y el Gobierno de la República Española encargó un cuadro a Picasso para el pabellón republicano.


- Dicen que Picasso se basó en la muerte del torero Joselito “El Gallo”, llamando a la obra “Lamento en muerte del torero Joselito” e hizo una serie de modificaciones, rebautizando al cuadro con el nombre de “Guernica” haciendo alusión al bombardeo. El Minotauro del cuadro, entonces, no representa otra cosa que el toro que mató a Joselito, y el caballo es del picador, muerto en la arena también por el toro.

- La ausencia de color: la austeridad cromática conviene al tema del cuadro. La primera imagen que Picasso recibió del bombardeo de Guernica le llegó por los periódicos franceses, lo cual propicia la teoría de que fue la interiorización del horror lo que hizo que Picasso reflejara la tragedia en negros entintados y un blanco sepulcral.

- Referencia a goya: la figura de la derecha con los brazos alzados como si quisiera impedir la caída de las bombas recuerda a la figura de Goya de los fusilamientos.

- Dicen que si miras fijamente el hocico de la cabeza del caballo del cuadro del ''Guernica" se ve claramente un cráneo o calavera. ¿Símbolo de la muerte en el cuadro?





Interpretamos el cuadro:

Con la siguiente imágen pretendemos crear un efecto óptico, resaltando así los diferentes elementos y componentes del cuadro de Picasso a los que a continuación haremos alusión y otorgaremos significado:

Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía.

 En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.
Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.
Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.

Significado
La visita de Picasso a España justo antes de la guerra civil le supone una gran curiosidad por lo fiesta de los toros. Todos sus elementos están en el cuadro: el toro símbolo de fuerza, brutalidad y oscuridad, el caballo de la inocencia y la víctima indirecta de todas las tragedias, el espacio acotado y la espada. Los símbolos taurinos muestran aquí la esencia de España y su sufrimiento.

En este mismo contexto, tampoco hay que olvidar que dos años antes, en 1935, Picasso había grabado al aguafuerte la Minotauromaquia, obra sintética que condensa en una sola imagen todos los símbolos del ciclo dedicado a este animal mitológico y que es, a la vez, el antecedente más directo de Guernica.

Por otro lado, la luz de la lámpara ilumina la escena central de forma triangular y no se sabe muy bien si estamos en una escena interior o al aire libre, puesto que la indefinición espacial no nos da ninguna clave al respecto. El cuadro es el más elaborado y pensado de Picasso, realizó 45 bocetos o estudios previos, que fotografió y amplió al objeto de componer el conjunto de una manera coherente y expresiva.


     Para finalizar, ya hemos dicho que sabemos que técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas. Además una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora.
Podremos apreciarlo mejor en el siguiente video en 3D.


Por último, os invitamos a contemplar el cuadro de Picasso y ha experimentar por vosotros mismos, los sentimientos y sensaciones de las que hemos hablado, que el mismo cuadro es capaz de suscitar. En el siguiente enlace podréis informaros de dónde visitarlo Museo Reina Sofía.
Pero si no es posible, os proponemos la siguiente actividad para que conozcáis un poco mejor a este gran pintor y saqueis a flote vuestra faceta más creativa.




miércoles, 8 de mayo de 2013

Edad Moderna

El matrimonio Arnolfini

El matrimonio Arnolfini (1434), de Jan van Eyck,
81'8x59'7 cm, Londres, National Gallery.

Ficha técnica


  • Obra: El matrimonio Arnolfini
  • Autor: Jan van Eyck (1930 - 1441)
  • Comitente: Giovanni Arnolfini
  • Técnica: pintura al óleo sobre tabla
  • Cronología: siglo XV (1434)
  • Estilo: pintura gótica flamenca








¿Qué representa la obra?

La obra muestra un interior burgués, limitado lateralmente por una ventana y un lecho con dosel, mientras en el extremo opuesto al espectador aparece una pared con un espejo.

La escena representa el contrato matrimonial entre el italiano Giovanni Arnolfini y su esposa, residentes en Brujas. 



La obra es un claro ejemplo de la pintura flamenca, ya que se caracteriza por ser una técnica al óleo en pequeño formato, de carácter detallístico dotada de carácter simbólico y con la presencia del comitente (persona que encarga y paga la obra). 



Esta obra es una excepcional muestra de testimonio histórico, económico y social.



Entrando en detalles...

- 1er detalle que caracteriza la obra:


Si nos fijamos en la pared que se nos queda delante nuestra, podemos observar un espejo. Dicho espejo es el que focaliza nuestra atención en relación al equilibrio de esta composición.  Los personajes principales crean un espacio intermedio de la mirada del espectador, creando así sensación de equilibrio y organización. Otro factor que contribuye al equilibrio en la composición es el predominio de las tonalidades cálidas, a excepción del vestido femenino. 

- 2º detalle:

A simple vista observamos una obra en la que hay una gran variedad de elementos y objetos con los que estamos acostumbrados a convivir, pero si nos paramos a pensar el porqué están ahí y nos analizamos podemos observar que el conjunto de símbolos que refleja Jan van Eyck demuestran el carácter intelectual de su pintura. Asi bien, los elementos que dotan un caracter intelectual a esta obra son: 
  • Lámpara con un único cirio encendido: símbolo cristológico, utilizado en los contratos matrimoniales y jurídicos de la época.

  • Perrillo a los pies de los esposos: hace alusión a la fidelidad conyugal.

  • Imagen de Santa Margarita: patrona de los nacimientos.
  • Las naranjas: importadas del sur, eran un lujo en el norte de Europa, y aquí aluden quizá al origen mediterráneo de los retratados. Conocidas como “manzanas de Adán”, representaban además la fruta prohibida del edén (quizá sean una evocación del paraíso perdido), en alusión al pecado mortal de la lujuria, probable motivo de la pérdida de la gracia. Los instintos pecaminosos de la humanidad se santifican mediante el ritual del matrimonio cristiano.


  • Los zuecos: esparcidos por el suelo —ellos van descalzos— representan el vínculo con el suelo sagrado del hogar y también son señal de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa. La posición prominente de los zapatos es también relevante: los de Giovanna, rojos, están cerca de la cama; los de su marido, más próximos al mundo exterior. En aquel tiempo se creía que pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad.





- 3er detalle:

El ya mencionado espejo se convierte en el elemento esencial del cuadro, al prolongar su espacio y penetrar en el del espectador. 
Además de ser importante por ello, a través del espejo se aprecia la presencia de dos testigos, uno de los cuales es el propio pintor. Así, el cuadro nos muestra al modelo, al pintor y al propio espectador, que es quien, con su visión de la obra, participa en el proceso creativo y da al cuadro valor en sí.

4º detalle:

Encima del espejo podemos ver la firma del autor en escritura gótica: "Johannes de Eyck fuit hic, 1434", lo cual quiere decir "Jan Van Eyck estuvo aquí, 1434". 
El cuadro podría equivaler a un documento notarial, ya que el propio pintor coloca por encima del espejo dicha inscripción. 

                                      

Juego de espejos

No es en la única obra en la que encontramos un espejo con el reflejo de siluetas. ¿Dónde has podido ver antes el reflejo de personas retratadas? Te daré una pista: se encuentra en el Museo del Padro y lo pintó Velázquez.... 

Efectivamente, en el lienzo de óleo de Las Meninas

Detalle de la obra en la que se observa el espejo del fondo
 donde están reflejados Felipe IV de España y Mariana de Austria
.


Podemos decir entonces que El matrimonio Arnolfini sirvió de claro precedente al pintor Velázquez para realizar una de sus obras más populares, ya que es posible que este conociera la obra de Jan van Eyk debido a que era propiedad real.


Para entender un poco más esta obra...

Aquí tenéis un vídeo-comentario de El matrimonio Arnolfini. En él, se profundiza sobre el dibujo y el color, la representación de la luz, la composición, el tratamiento de los motivos, la representación del espacio tridimensional, etc.



Curiosidades





viernes, 26 de abril de 2013

Edad Media


    Ficha Técnica

  • Nombre: Pórtico de la Gloria
  • Autor: Maestro Mateo y su taller
  • Estilo: románico tardío
  • Cronología: 1168 - 1188
  • Localización: Pórtico occidental  de la Catedral de Santiago de Compostela
  • Materiales: granito y mármol
  • Tipología: relieves y figuras exentas adosadas.  



ll    Conocemos los Inicios del Pórtico de la Gloria
  
        El Pórtico de la Gloria se corresponde con la portada monumental que sirve de acceso principal a la Catedral románica de Santiago de Compostela. Se realiza en una última etapa del proceso constructivo de la Catedral, alrededor del año 1168, relacionada con la necesidad de ampliar la longitud de las naves, completar la labor arquitectónica necesaria para tal fin y levantar esta nueva fachada ornamental.

          Esta reforma de las naves y del nuevo acceso al templo se produce en el último tercio del S. XII y en pleno apogeo del Camino de peregrinación. Se encarga la obra a un nuevo artífice, el Maestro Mateo, que en primer lugar debe de salvar el desnivel existente en el terreno a los pies de la iglesia, razón que se arguye como el motivo que había impedido terminar el templo, para lo cual se construye por ello la famosa cripta de la Catedral, que de esta , salva el desnivel y sirve además de basamento a la portada; se amplían las naves, y se levanta el nuevo pórtico.

     Esta obra del Maestro Mateo, fue terminada en 1188 según consta en la inscripción de los dinteles en la que se menciona a un magister Matheum que dirigió las obras:

      DINTEL:  “ En el año de la Encarnación del Señor de 1188, era 1226 , en el dia de las calendas de abril,fueron asentados los dinteles del pórtico principal de la Iglesia bienaventurado Santiago , por el Maestro Mateo, que dirigió la obra desde los cimientos.”

       ¿Que representa el Pórtico de la Gloria?



          Está considerada la obra cumbre de la escultura románica que se desarrolla en un pórtico con tres arcos. En el central se representa la Gloria, destino final de los justos, presidida por un gran Cristo resucitado. En el izquierdo al pueblo judío esperando en el Limbo de los Justos la llegada de Cristo y en el derecho el Juicio final al que serán sometidos todos los seres humanos.

    

            El Pórtico de la Gloria es una obra excepcional y una de las piezas más hermosas de la escultura románica y en general de toda la historia de la escultura. No sólo porque se adelante a su tiempo, tal y como hemos indicado, sino sobre todo por su extraordinaria calidad técnica, y su profundidad expresiva, capaz de transmitir a las figuras un hálito de vida que parece escaparse de la piedra. 

      La expresividad de sus figuras no pasa desapercibida por ninguno de los miles de peregrinos que visitan la catedral de Santiago de Compostela. Rosalía de Castro llegó a afirmar: parece que los labios mueven, que hablan quedo los unos con los otros, ¿serán de piedra esos semblantes tan reales, esos ojos de vida llenos?”

      
   Pero... ¿ Fue siempre el Pórtico del color con el que ahora lo conocemos?
    Esta obra arquitectónica fue en sus orígenes policromada con ricos colores y oro. Posteriormente fue retocada por Crispin de Evelino en 1651, que recibió 130 ducados “por pintar y encarnar los brazos, pies y manos de las figuras que están en la portada principal” y, de cuyas pinturas aun se conservan trazos en los rostros y vestimentas de algunas figuras.
        


          Sufrió primero las inclemencias de los tiempos ya que estuvo al exterior del edificio, como se ha explicado en el vídeo anterior  Después las manos de los obreros que tuvo a su cargo el italiano Domingo Brucciani, encargado por el Gobierno inglés, en 1866, para hacer un vaciado de tamaño del original, que en yeso se exhibe en el Museo de South Kensigton. 

           Parte de la policromía original se quedó adherida al molde de yeso. El coste de las obras de la reproducción ascendió a 2.300 libras esterlinas.
        

    


   Restauración




       Un artista entre los Santos
        El propio maestro Mateo no pudo resistirse a la tentación de esculpirse a él mismo detrás del parteluz. Es la figura arrodillada que los gallegos llaman
"  "Santo dos Croques", porque los visitantes cumplen desde hace siglos con la costumbre de golpear su cabezas sobre la frente del maestro, se dice que para conseguir parte de su sabiduría.


  Cuenta la leyenda que el arzobispo fue a visitar las obras cuando estaban próximas a terminar. Le preguntó al maestro por una figura que no había citado y que destacaba en el tímpano central. Mateo reconoció que esa figura era él mismo, porque consideraba que merecía tal reconocimiento después de la obra de arte que estaba realizando.


   El arzobispo le recriminó duramente su falta de humildad. Pasado el tiempo, el maestro llamó al arzobispo para que contemplase el Pórtico ya terminado. Lo primero en lo que se fijó éste fue en que aquella figura había desaparecido. A cambio, había otra nueva en la parte de atrás, arrodillada y sin luz. Era la forma en que el maestro Mateo se representaba finalmente a sí mismo, humilde, sin orgullo y arrepentido por haber pensado esculpirse junto a Dios.
    
     Programa Catedral de Santiago de Compostela
   
           El Programa Catedral de Santiago de Compostela es una intervención diseñada y acometida por el Arzobispado de Santiago, el Cabildo de la Catedral y la Fundación Pedro Barrié de la Maza, con la colaboración del Ministerio de Cultura y la Consellería de Cultura de la Xunta de Galicia. El Programa está marcado necesariamente por el respeto a este importante lugar de culto y peregrinación, culmen del Primer Itinerario Cultural Europeo del Consejo de Europa y Patrimonio de la Humanidad y que hoy se encuentra en serio peligro por el pronunciado estado de deterioro que sufre.

                 El Historiador del Arte y miembro del Comité Científico del Programa Catedral, Francisco Prado Vilar, nos habla en este vídeo  del Pórtico de la Gloria. 



        Para saber más sobre esta gran obra

          Existe un libro que contiene 68 páginas en las que el lector además de ensimismarse con la apasionante historia de la obra cumbre del Románico podrá disfrutar de un impresionante documento fotográfico que facilitará la comprensión de la Obra del maestro Mateo.   

       Esta obra contiene la primera fotografía completa del Pórtico en alta resolución que se ha logrado realizar, y que seguramente será la única de estas características. 

        En ella se podrá apreciar cómo era el pórtico antes de su actual restauración, tal y como lo han conocido más de seis generaciones de peregrinos y visitantes.  

      Un título imprescindible en el 2010, Año Santo Compostelano, en el que los peregrinos no podrán disfrutar del Pórtico de la Gloria debido a las operaciones de restauración que se prolongarán más allá de finales del Año Santo.




viernes, 19 de abril de 2013

Edad Antigua

El Partenón


Ficha técnica

  • Obra: el Partenón.
  • Autores: iniciado por Calícrates y acabado por Ictinos (447-432 a.C) Fidias actuó como supervisor.
  • Lugar de edificación: ciudad de Atenas.
  • Cronología: siglo V a.C
  • Estilo: arte griego - época clásica





Descripción
El Partenón es el templo helénico clásico más original y estaba dedicado a la diosa Atenea, protectora de Atenas. 

El edificio se construyó en el mismo emplazamiento de un templo anterior, el Hecatompedón, construido antes de las Guerras Médicas, que fue destruido por los persas.

Se construyó para agraeder a los Dioses la victoria sobre los Persas.

Orientación
Esta orientado en sentido este, aunque ligeramente ladeado hacia el suroeste, de manera que, durante las fiestas de Atenea, el sol naciente proyectaba por las puertas sus rayos sobre la efigie de la diosa. 




Dimensiones y estilo
Es períptero y octóstilo, con la proporción clásica de ocho columnas frontales y diecisiete laterales. Sus dimensiones son enormes: 30,87 x 69,54 metros, y una altura de 10,93 metros.

Decoración
La decoración se reparte entre los frontones, el cual destaca el friso de las Panateneas, que es la innovación más original impuesta por Fidias, el cual describe la procesion de esta fiesta cuatrianual. 

Los frontones contenían escenas sobre el mito de Atenea: su nacimiento de la cabeza de Zeus, abierta por Hefaistos de un hachazo y su disputa con Poseidón por el dominio de Ática.

El conjunto del friso dórico cuenta en las metopas cuatro historias diferentes: 
  • la Gigantomaquia "conflicto de los dioses con los gigantes"
  • la Centauromaquia "pugna entre los centauros y los lapitas"
  • la Amazonomaquia "lucha de las amazonas con diversos heroes giregos"
  • la Iliupersis "la guerra de Troya"




Para saber más...

Reconstrucción estatua Atenea

La cella o nave principal era inusualmente grande, para acomodar la estatua de gran tamaño de Atenea, constriuda en oro y marfil, que estuviera situada en el centro del templo.









Todos los templos en Grecia estaban diseñados para ser vistos sólo desde el exterior.


Parece ser que los arquitectos concibieron el Partenón como un evento teatral.



¿És el Partenon el único templo griego?

El Partenón encarna todos los ideales del pensamiento griego durante el apogeo de la época clásica. El Partenón no presenta ningún avance en la ingeniería de la construcción, por lo tanto encontramos más construcciones similares a la obra destacada. 

Pongamos por ejemplo el Templo de Afaya, considerado durante mucho tiempo como templo de Zeus. También es de orden jónico y prsenta una estructura muy similar. 


Maqueta Templo de Afaya
Templo de Afaya


¿Fue siempre del color del que lo conocemos en la actualidad?
Se piensa que la construcción está hecha exclusivamente en mármol de Pentélico y únicamente de color blanco, pero como podemos observar en la reconstrucción del templo, el Partenón estaba decorado con colores.



Articulo: ¿Fue simpre blanco el Partenón? (Pincha sobre el título para acceder a el)



¿Porqué está tan deteriorado?

Mientras estuvo en pie, mantuvo su carácter religioso, siendo sucesivamente, iglesia bizantina, iglesia latina y mezquita musulmana. 

En 1687, fue empleado como depósito de pólvora por los turcos. Durante el sitio veneciano, bajo el mando del almirante Morosini, una bomba cayó sobre el templo, destruyendo la mayor parte del edificio.


De ahí su reconstrucción....


El Gobierno griego inició el proyecto para restaurar el Partenón y otros edificios patrimonio de la humanidad de la Acrópolis en 1975, pero las obras no comenzaron hasta 1983. Los andamios han "decorado" el templo en algunos de sus rincones desde entonces.

La restauración del edificio ya ha necesitado más tiempo que su edificación en el año 447a.C. "Tratamos cada pieza de mármol como si fuera arte, así que tenemos que respetarlo", declaró Mary Ioannidou, la jefa de restauración durante una visita al templo.

El grupo de arqueólogos, marmolistas, arquitectos e ingenieros civiles y químicos, que trabajan en la restauración ha tenido que desmontar 1.852 toneladas de mármol y realizar la dura tarea de intentar situarlo en el lugar adecuado, añadiendo otros fragmentos que se han encontrado. "Es como un puzzle gigante", declaró Ioannidou.

Para algunos, restaurar el Partenón es la obra de toda una vida. El marmolista Ignatius Hiou ha trabajado aquí 18 años.

No obstante, en septiembre, los andamios volverán a cubrir la fachada occidental y ese proyecto durará al menos tres años.


Supervivencia a lo largo de los siglos

El Partenón ha sobrevivido como un lugar dedicado a Atenea por cerca de mil años. Ciertamente, estaba intacto en el siglo IV a.C., cuando era tan antiguo como la iglesia de Notre y más antiguo que la Basílica de San Pedro en Roma. Pero en ese momento, Atenas se redujo a una ciudad de provincias del Imperio Romano, todavía con un pasado glorioso. En algún momento del siglo V, la gran imagen de Atenea fue llevada a Constantinopla, donde fue destruida más tarde, probablemente durante el saqueo de la ciudad promovido por la Cuarta Cruzada en 1204.

Mucho antes de que el Partenón fuera transformado en una iglesia cristiana en los tiempos del Imperio Bizantino, dedicado al culto de la Virgen María o la Madre de Dios (Theotokos). Al convertir el templo en una iglesia, las columnas y algunos muros fueron retirados. Fue también creado un ábside en el lado este, lo que condujo a la eliminación de algunas de sus esculturas. Estos dioses fueron depuestos o reinterpretados de acuerdo con un tema cristiano o destruidos.

En 1456, Atenas fue tomada por el Imperio Otomano y el Partenón se convirtió una vez más a los preceptos de su religión, esta vez transformado en mezquita. Contrariamente a la mitología posterior, los otomanos fueron en general respetuosos con los monumentos antiguos en sus territorios, y no destruyeron las antigüedades de Atenas. Por otro lado, no realizaron ningún proyecto de preservación y utilizaron el templo, durante la guerra, como fortificación. 

En 1975, el gobierno griego inició una serie de esfuerzos para restaurar el Partenón y otras estructuras de la Acrópolis. El proyecto atrajo más recursos y apoyo técnico de la Comunidad Europea.



Cronología
447-432 a.C. – Construcción del Partenón en el gobierno de Pericles y decorado con esculturas de Fidias.

267 a.C. – Los bárbaros hérulos invaden Atenas e incendian la construcción.

343-361 a.C. – La recuperación del templo, probablemente bajo las órdenes del emperador romano Juliano Apóstata.

Siglo V d.C. – La gran estatua de Atenea es llevada a Constantinopla y más tarde destruida.iglo VI d.C. – Conversión en Iglesia Ortodoxa Griega. Los monjes retiran columnas internas, destruyen esculturas y crean una capilla en la fachada este.

1204 – Los cruzados invaden Atenas y cambian el nombre del Partenón a Notre-Dame de Atenas, convirtiéndose en una iglesia católica. 

1456 – Atenas es invadida por el Imperio Otomano y el templo se convierte en mezquita islámica. Un minarete se coloca en su base.

1687 –Los venecianos atacaron Atenas. El Partenón es utilizado por los turcos como almacén de pólvora y, el 26 de septiembre, es golpeado por una bala de cañón que se destruye su estructura interna.

1801 – El embajador británico en Constantinopla, Lord Elgin, obtuvo permiso para hacer estudios sobre la Acrópolis y traslada las esculturas a Inglaterra.

1832 – Independencia de Grecia. Desde entonces trabajan en la conservación del templo.

1835 – Inicio de las excavaciones arqueológicas y trabajos de restauración de las ruinas del Partenón.

2004 – Trabajos de restauración de la pronaos (salón este, que albergaba la estatua principal de Atenea) y el opistodomo (sala oeste, que contenía el tesoro público de Atenas).


Videos

A principios del siglo XIX, el embajador británico en Constantinopla retiró la mayor parte de los frisos, para trasladarlos a Inglaterra, al Museo Británico, donde permanecen. Pero se conservó la fachada occidental en buenas condiciones.